Había expectación sobre qué sucedería con esta gran cita del diseño y sucedió lo que tenía que suceder, que el London Design Festival (LDF) celebra su mayoría de edad, aunque sea en un contexto un poco deslucido. El despliegue en el entorno digital ha hecho más llevadera la ausencia de quienes no han podido acudir físicamente al festival, con una bien nutrida agenda de eventos diarios, desde cursos y talleres a presentaciones y debates pasando por visitas virtuales a museos y a las ya habituales rutas por los distritos, a golpe de ratón.

Ben Evans, cofundador y director del London Design Festival. | LDF

A fin de cuentas, Londres es una de las grandes capitales del diseño del mundo, e indiscutible locomotora del sector. Por eso, Ben Evans, cofundador y director del London Design Festival, consideraba casi una obligación levantar el telón de esta 18 edición del festival a pesar de este extraño baile al que nos ha tocado asistir: “Londres tiene la comunidad creativa más grande del mundo”, asegura. “Sin embargo, la pandemia ha demostrado ser una de las mayores amenazas para el sector, ya que casi todos los eventos se han cancelado y las empresas han permanecido cerradas durante un período de tiempo prolongado. Por lo tanto, el festival tiene un papel increíblemente importante este año, proporcionando una plataforma para que el talento del diseño muestre su trabajo”.

Además de mucho diseño, en la edición de 2020 hay mucha reflexión: toques de atención frente al cambio climático, un sentido de la responsabilidad como sector a la hora de diseñar un nuevo mundo, metáforas optimistas o guiños de provocación y un intento de aprendizaje poscovid con mirada positiva.

Estas son siete de las lecciones que nos ha dejado la cuarentena en sus proyectos, charlas e instalaciones y que han marcado el festival:

1. La importancia de cuidar el planeta (y de disfrutar del placer de cultivar plantas hermosas) – ‘The Hothouse’

Los londinenses Studio Weave presentaron The Hothouse, una instalación de gran escala en el International Quarter London (el IQL, un nuevo barrio en el corazón de Stratford, al Este de la ciudad), que nace de la inquietud de la lucha contra el cambio climático como motivo global, pero también desde el gesto cotidiano individual de cuidar nuestro propio jardín, así sea un macetero en nuestro balcón.

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Th Hothouse, de Studio Weave, en el International Quarter London. | LDF

The Hothouse es una estructura inspirada en los invernaderos victorianos de cristal que proporciona el hábitat adecuado para cultivar plantas que ni en sus mejores sueños podrían crecer en el clima londinense. Para ello, el estudio ha colaborado con el diseñador de jardines Tom Massey.

La zona donde se ubica, al lado del Queen Elizabeth Olympic Park, tiene una gran tradición en cultivos en invernaderos y, ya en 1930, dedicaba decenas de hectáreas de terreno a la producción de plantas ornamentales, flores y frutas exóticas.

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The hothouse no deja de funcionar por la noche. | LDF

La instalación estará aquí durante un año y producirá aguacates, quinoa, mango, batata y semillas de chiá, entre otros. Todos cultivos que ahora no se dan aquí, pero sí podrían darse en 2050, según los expertos, si el calentamiento global sigue esta dinámica. El tirón de orejas es más que evidente.

Je Ahn, fundador de Studio Weave, asegura que “en medio de la extrañeza de la era covid, la reducción de la actividad humana ha producido lo que se siente como un cambio profundo en el medio ambiente, avanzando en un diálogo muy necesario que se espera que se traduzca en una acción sostenida y efectiva. Esperamos que este pequeño invernadero actúe como un recordatorio continuo de nuestra frágil relación con la naturaleza, al tiempo que nos permita redescubrir el simple y enriquecedor placer de cuidar plantas hermosas”.

2. Solo juntos podremos salir de esto – ‘Unity’

El deseo de haber aprendido algo de toda esta crisis y, sobre todo, de que lo aprendido no se quede en la teoría, también está presente en el proyecto que ha traído a esta edición la diseñadora francesa Marlene Huissoud (que ya vimos en el festival el año pasado con sus esculturas inspiradas en el universo de los insectos en el barrio de South Kensington). Esta vez ha sido por un encargo del festival para Coal Drops Yard, en King’s Cross, uno de los puntos calientes del diseño en la ciudad, y ha querido lanzar un grito de optimismo: en un momento en el que nos obligan a mantener la distancia, la obra de Marlene reflexiona sobre la importancia de estar unidos y trabajar juntos, remando en la misma dirección y, sobre todo, compartiendo y reutilizando nuestros recursos.

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‘Unity’, una obra que solo funciona si se unen los esfuerzos. | LDF

Según la diseñadora, este enfoque no formaba parte de los planes iniciales, y fue fruto de la cuarentena: “Cambiamos por completo el concepto del proyecto original, ya que la pandemia nos instó como seres humanos a hacer una última llamada a la acción. Más que nunca, los artistas y diseñadores necesitan redefinir sus roles y usar sus habilidades para sacudir a la sociedad. Esta instalación es más que una pieza interactiva, es para que la sociedad se despierte y se dé cuenta de lo vital que es para nosotros estar unidos y actuar como un todo”.

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Detalle de ‘Unity’. | LDF

Esto lo ha llevado a cabo, literalmente, en su instalación, Unity, en la que los visitantes deben colocarse a dos metros de distancia en un círculo alrededor de la pieza y, por medio de bombas de pie, insuflarle vida. Esta va transformándose, creciendo, bailando, respirando… y si nadie está bombeando, la instalación se desinflará. Ahí lo deja.

3. Si no se cierra el círculo de la economía, la economía no lo cerrará – The Circular Design Project

El Global Design Forum ha vuelto a esta edición con su programa de conferencias magistrales, charlas y talleres, online y gratuito. Dentro de él, destaca The Circular Design Project, organizado por la tecnológica SAP, la Ellen MacArthur Foundation y el LDF, en el que se aborda desde varios ángulos el tema de la economía circular en el diseño, dada su enorme responsabilidad como motor de cambio.

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Según Joe Iles, líder del Programa de Diseño Circular de la Fundación Ellen MacArthur, “todo lo que nos rodea ha sido diseñado: desde la ropa que usamos hasta los edificios en los que vivimos y trabajamos, hasta los sistemas que brindan alimentos y movilidad. Hoy en día, la forma en que diseñamos y fabricamos estas cosas se basa en la extracción y el consumo continuos, y genera desafíos económicos, sociales y ambientales. El sector del diseño y la creatividad juegan un papel esencial en el cambio de nuestra economía de lineal a circular. Al aplicar un enfoque de diseño circular, los diseñadores pueden influir en si su nueva creación terminará finalmente como desperdicio o permanecerá dentro de una economía circular, proporcionando valor. Es uno de los mayores desafíos creativos de nuestro tiempo y espero ser parte de este viaje con una nueva audiencia de diseñadores en el LDF de este año”.

Bajo este paraguas, se han celebrado durante estos días varios debates en los que han intervenido nombres como Lena Pripp Kovak, responsable de sostenibilidad de IKEA; Ivy Ross, vicepresidente de Hardware Design en Google; Kjetil Trædal Thorsen, fundador de Snøhetta, o el chef Massimo Bottura, propietario de Osteria Francescana y Fundador de Food for Soul.

4. Sí se puede teletrabajar… – ‘Connected’

Connected, que se exhibe en el Design Museum de Londres, es el resultado de un experimento pandémico en el que han participado nueve diseñadores de diferentes procedencias (entre ellos el español Jaime Hayón) y uno de los mejores talleres de artesanía de Europa, Benchmark Furniture. Sus respectivos modelos de mesas y asientos y sus reflexiones personales pueden verse en el museo.

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Boceto para ‘Mesa machine’, de Jaime Hayón. | LDF

American Hardwood Export Council (AHEC), Benchmark Furniture y el Museo del Diseño desafiaron a estos diseñadores a involucrarse en el proyecto de crear una mesa y asientos para su uso personal, que se adaptaran a sus nuevas formas de vivir y trabajar desde casa. Podían elegir tres maderas duras estadounidenses sostenibles: roble rojo, arce o cerezo, y debían compartir sus bocetos e ideas desde su casa/oficina con los artesanos, usando exclusivamente las nuevas tecnologías para comunicarse entre ellos.

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‘Pink moon’, una mesa de trabajo compartida, de las diseñadoras milanesas que forman Studio Pepe, para ‘Connected’. | Studio Pepe

Los otros ocho diseñadores involucrados son: Ini Archibong (Suiza), Maria Bruun (Dinamarca), Heatherwick, Studio (Reino Unido), Sebastian Herkner (Alemania), Maria Jeglinska- Adamczewska (Polonia), Sabine Marcelis (Países Bajos), Studiopepe (Italia) y Studio Swine (Reino Unido / Japón).

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El diseño de Maria Bruun, desde Conpenhague, para ‘Connected’. Una mesa extensible con taburetes apilables. Las formas redondeadas le dan un aspecto orgánico que contrasta con la robustez de la madera. | David Clevelan

5. … Pero nadie dijo que fuera a ser fácil

Durante todos estos meses todos hemos tenido que trabajar desde casa y el sueño de muchos de hacerlo en pijama se ha convertido en realidad. Pero, al final ¿era tan idílico? La mayoría dirá que no, pero al menos habrán podido ponerse en la piel de los autónomos, cuyo día a día, es así. Ellos, además, han sufrido más que nunca los impactos de la pandemia, por eso este año, el LDF dedica un portal dentro su página web donde los trabajadores freelance pueden compartir su porfolio con toda la coumunidad.

6. A 2020 solo le quedan tres meses

El Victoria & Albert Museum, institución y referente londinense e inseparable compañero del festival desde que nació, no pudo exhibir las instalaciones que estaban programadas este año por razones de seguridad sanitaria. A cambio, realizó tours del Museo, dirigidos por miembros de su personal, que transmitió en su canal de Facebook. Sin embargo, ya tiene puesta la mirada en el año que viene: “Esperamos volver en 2021”. Y nosotros, que así sea.




Fuente: El país

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